Musée Charlier

Exposition : Les jumeaux Oyens

Le Musée Charlier a l'honneur de vous présenter la première grande rétrospective depuis 1907 en Belgique des « Frères Oyens ». Après les magnifiques expositions dédiées à Vogels, Van Strydonck et Smits, le Musée Charlier met à nouveau en lumière de grands artistes peu connus et sous-estimés de la fin du 19ème siècle. Cette rétrospective est par conséquent un retour aux sources; la demeure chaleureuse, où atelier et cabaret Belle Epoque ont exceptionnellement pris place, accueille entre le 10 mars et le 30 mai l'oeuvre colorée de Pieter et David Oyens.

En cette fin de siècle, Bruxelles est une ville bouillonnante et ces deux peintres originaires des Pays-Bas ont trouvé leur propre place dans cette ambiance artistique exaltante. Ils n'ont pas adhéré à l'avant-garde radicale mais appartiennent plutôt au mouvement réaliste, un choix synonyme, à l'époque, de conception progressiste. Ces vrais jumeaux passèrent la plus grande partie de leur vie et de leur carrière ensemble, à Bruxelles. C'est là, dans cette ville vivante, bourdonnante grâce à l'animation de ses cafés, ateliers et théâtres, qu'ils trouvent l'inspiration. Leurs oeuvres en forme de clin d'oeil, généralement de petit format, sont imprégnées de naturel et de la lumière des grands maîtres Hollandais. Ils aiment se représenter l'un l'autre en compagnie de modèles ou de servantes, dans leurs scènes de café ou d'atelier. Leurs intérieurs et natures mortes témoignent d'une intimité réfléchie et d'une observation pointue.

En parcourant l'exposition, le visiteur pourra découvrir une centaine de toiles, panneaux, aquarelles et dessins, provenant, pour la plupart, de collections privées mais également de quelques grandes collections publiques en Belgique et aux Pays-Bas.

Exposition : C O N T R O V E R S E S

En collaboration avec le Botanique

En marge de l’exposition organisée jusqu'au 03/01/2010 au Botanique, le Musée Charlier a décidé, vu son succès, de prolonger Controverses jusqu'au 12/02/2010 ! Un parcours-découverte parmi les oeuvres qui, si elles sont aujourd’hui considérées comme des « classiques », ont véritablement provoqué un scandale lors de leur création à la fin du 19e s.

Exposition : Paysage et nature

La découverte de la nature et du paysage est à la base de l'art moderne en Europe.
Dans la peinture des paysages du dix-huitième siècle, les éléments narratifs prédominent la représentation réaliste de la nature. Le paysage classique est tout à fait conventionnel: il est réalisé en atelier sur base de dessins académiques et obéit à une composition strictement prévisible. Jusqu'au début du dix-neuvième siècle, l'observation de la nature est scientifique et topographique, et non artistique. Les études de nuages de William Turner se situent dans cette tradition, même John Constable développe une approche scientifique de sa peinture du paysage et se réfère à Hobbema et Van Ruysdael. Pour les romantiques comme Caspar Friedrich au contraire, les phénomènes naturels sont le reflet des sentiments humains. D'autres, comme Géricault, se concentrent sur les couleurs et les dynamiques, en oubliant la ligne et le contour du dessin classique.
Peu après la présentation de "Charrette à foin" de Constable à Paris en 1824, Corot, Millet, Daubigny et Rousseau parcourent la forêt de Fontainebleau pour y peindre en plein air. L' école de Barbizon est née et, dans un court laps de temps, partout en Europe rurale des colonies d'artistes apparaissent.

Chez nous, les plein-airistes se retrouvent à Tervueren, Kalmthout, Wechelderzande, Genk, Anseremme et à la mer du Nord. A partir du milieu du 19e siècle, grâce à l'invention des petits tubes de couleur et des chevalets légers, les artistes ont la possibilité de peindre des toiles en plein air.
La découverte de l'atmosphère et de la lumière, les vues panoramiques et les phénomènes de la nature aboutissent finalement à l'impressionnisme, au pointillisme et au luminisme. Parallèlement, les artistes (re)découvrent l'homme dans la nature, le paysan, et, un peu plus tard, le prolétariat : le réalisme et le réalisme social sont tributaires du nouveau sentiment de la nature.

Vous découvrirez dans cette exposition un siècle de paysages de notre collection : le plein-airiste et visiteur de Barbizon Théodore Fourmois, Boulenger, Asselbergs de l'école de Tervueren et leurs proches Degreef et Crépin, Baron, Huberti, Heymans et Courtens de l'école des gris de Termonde et Kalmthout. Cette génération échange des idées esthétiques au sein de la Société Libre des Beaux -Arts et travaille dans plusieurs lieux campagnards.
Après la maîtrise descriptive et fidèle des bois, des troncs d'arbres, des étangs, des champs et des effets des saisons, les artistes commencent à expérimenter. L'anecdotique devient moins important et, à la recherche des effets de lumière, Vogels, Ensor, Van Strydonck, Pantazis et Verheyden - tous membres du groupe "des XX" - développent un impressionnisme autochtone.
Nous n'avons pas oublié Wytsman et Gilsoul, ni l'école bruxelloise avec Van Damme-Sylva, François et Bastien.
Des horizons artistiques sont explorés dans des marines et vues des villes. Non seulement la mer agitée mais aussi les dunes (Ensor, Pion) et la vie à la plage attirent des peintres. La perspective d'oiseau chez Wauters perd sa profondeur dans les panoramas de villes de Crépin, pour disparaître tout à fait chez Frison. Les vues urbaines sont multiples : pittoresques (Bossuet), réalistes (Wauters), atmosphériques (Martel), naïves (Rousseaux)... La lumière du sud séduit Leduc, élève de Coosemans, aux splendides vues postimpressionnistes, Lemaître se livre à une explosion de couleurs et Bisschops à un tachisme expressif.

L' évolution artistique déclenchée par la découverte de la nature dépasse le cadre d' un genre ou d'une technique. Les plus belles natures mortes de Boulenger, Boch et Ensor et des estampes de Lamorinière, Guiette, Verstraete et Frison occuperont aussi une place de choix dans nos salons, à côté des paysages.

L'exposition "les sens au féminin" ♀

Dans le cadre de la journée de la femme, le Musée Charlier expose une série d'oeuvres consacrées à la femme.

Auguste Oleffe, Guillaume Van Strydonck, Léon Frédéric, Edouard Agneessens et, bien évidemment, le sculpteur Guillaume Charlier ont créé leur propre univers féminin. Ils fréquentaient le collectionneur d'art Henri Van Cutsem. Beaucoup de jeunes artistes ont pu développer une carrière professionnelle grâce à son soutien financier. Une étude approfondie de ce milieu est en cours.

Une soixantaine d'oeuvres choisies - toiles, sculptures et gravures - occuperont donc dès le 9 mars jusqu'au 15 juin 2007 les salons de notre musée.

Parmi les portraits de femme, nous pourrons apprécier: l'approche classique chez Wauters et Wiertz, psychologique chez Gouweloos ou libérée des conventions chez Abeloos.
Soulignons le contraste entre les splendeurs de l'orientalisme et les femmes laborieuses de Frédéric et Pion, ainsi qu'entre la sensualité d'une épaule nue chez Agneesens ou d'une femme fatale, langoureuse et la pesante réalité chez Oleffe et Laermans.
Une approche du quotidien : la douceur des maternités de Haustaete et Smits, les rêveries de Stevens.
Un salon est consacré aux oeuvres de femmes peintres : Anna Boch, Juliette Wytsman, Jenny Bernier Hoppe, Jenny Montigny et Marguerite Verboeckhoven.
Les gravures fauvistes de Jehan Frison côtoient les marbres de Guillaume Charlier et les sculptures d' Emile Namur. La tapisserie d'Audenaerde (Diane, déesse de la chasse) sera le point d'orgue de notre exposition.

Fidèle à son option fondamentale qui est de ne pas se cantonner dans le passé mais de s'ouvrir aux courants d'aujourd'hui et de demain, notre musée prolongera son exposition en faisant découvrir des oeuvres contemporaines :

• les sculptures de Paule Walthéry,
• les photos de Dominique Massant,
• les bijoux de Thierry Bontridder, Dany Poupaert, Claire Lavendhomme et Cécile Dalcq,
• et, pour les bibliophiles, une exposition de livres rares et d'ouvrages écrits par des femmes du 18e siècle à nos jours; des reliures d'art réalisées par des femmes.

Quelques oeuvres d'une telle diversité peuvent-elles donner le sentiment de l'infini? Tel est notre pari.

Rops - Munch : Man and Woman

Rops & Munch : Précurseurs, rebelles et solitaires.

Du 22 avril au 22 juin se déroulera au Musée Charlier l'exposition " Rops - Munch : Man and Woman ".

La femme et, en conséquence, la relation entre l'homme et la femme, jouent un rôle de premier plan dans leurs ouvres. Dans leurs images tout à fait originales, ils ont réussi à captiver et à surpasser l'esprit du siècle. Chacun pourra découvrir leur vision à travers une centaine de lithographies, gravures, pointes sèches, héliogravures et aquatintes.

Félicien Rops (1833-1898), l'anticonformiste et l'illustrateur le plus renommé de son époque a créé un univers symboliste basé sur une caricature fine et incisive et nourri par une inspiration réaliste. Ses créatures féminines ne sont pas des femmes de chair et de sang mais elles sont, par leur sexualité, la personnification voluptueuse ou monstrueuse du diable, ou du moins son complice. Rops nous montre l'existence menaçante de la femme, ou l'angoisse du bourgeois de perdre sa supériorité sociale.
(Comme peintre également, il cherche l'innovation. Le public aura l'occasion de découvrir cet aspect peu connu et méconnu de son ouvre au premier étage du musée.)

Trente ans après Rops, le Norvégien Edvard Munch (1863-1944) illustrera Les fleurs du mal. Il fréquentait Strindberg et n'a pas pu résister à l'appel de Paris et de Berlin. Né avec un talent extraordinaire mais traumatisé par la mort de sa mère et de sa sour, son style naturaliste se caractérise par des simplifications très expressives. Les lignes fortes et les contours fluides l'ont amené à s'exprimer par la technique de la gravure sur bois. Son oeuvre est de nature existentialiste et nous montre l'individu moderne en conflit avec son existence, angoissé et incapable de communiquer profondément. La femme aussi lui faisait peur mais elle n' est ni soumise ni inférieure.

Innovateurs, Rops et Munch à travers leurs thèmes récurrents ont exploré de nouveaux horizons, d'un côté la dénonciation de l'hypocrisie des mours de la société bourgeoise, d'un autre l'expression d' un sentiment de profonde solitude.

Nathalie JACOBS,
Adjointe Scientifique.

Jakob SMITS (1855-1928)

"L’étude du mystère, de la lumière n’est guère épuisée chaque jour m’apporte des nouvelles surprises ..."
Jakob Smits.

Du 5 octobre au 18 décembre 2005 le Musée Charlier rend hommage à l’une des figures les plus importantes de la peinture belge, Jakob SMITS (1855-1928). La rétrospective rassemble quelque deux cents oeuvres marquantes du maître : peintures à l’huile mais aussi gravures, aquarelles, dessins, dont certains sont exposés pour la première fois. Ces oeuvres retracent la trajectoire picturale de l'artiste dans la chronologie de son évolution, permettant ainsi d'apprécier la nouveauté du propos.

Personnalité hors de commun, Jakob Smits a su créer une œuvre d’une originalité surprenante. Contemporain de Monet, de Cézanne, de Gauguin, il dépassa l’éphémère de l’impressionnisme, l’introspection du symbolisme pour exprimer comme nul autre l’essence de la lumière. Une lumière dont la présence inonde les êtres et les objets et donne un sens profond à la nature. A ce titre il peut être considéré comme héritier de Rembrandt, son maître de prédilection. En même temps, par ses recherches visant de l’expressivité de la matière, il annonce Constant Permeke.

En 1888, Smits acquiert une modeste maison dans le petit hameau de Mol-Achterbos. Son second mariage avec Malvina De Deyn lui procure un bonheur qui compense l’extrême pauvreté dans laquelle vit le ménage. Bonheur éphémère, car Malvina meurt quelques années plus tard, minée par la maladie et les privations.

Ses sujets de prédilection : la vie quotidienne, les maternités, les portraits de femmes et d’hommes, des scènes bibliques … les protagonistes de cet univers familier sont ses enfants - Raymond (Body), Marguerite, Madeleine, Jakob (Kobe), Alice, sa femme Malvina De Deyn, ses amis ouvriers - . Smits a fixé leurs traits dans une série d’oeuvres, saisissantes de réalité et de tendresse. Les portraits de Malvina que le peintre a réalisés à Mol comptent non seulement parmi les chefs-d’œuvre de l’artiste mais aussi parmi ceux de l’école belge de la fin du XIXème siècle.

En 1901 il obtient la nationalité belge. Il épouse en troisièmes noces une jeune anversoise, Josine Van Cauteren, qui demeura sa compagne pour les vingt-cinq dernières années de sa vie. Il participe à de nombreuses expositions en Belgique et à l’étranger à la suite desquelles il fut salué par de nombreux critiques d’art de l’époque comme l’un des plus grands maîtres de l’école de peinture belge. Voué corps et âme à sa vocation, soutenu par sa jeune épouse, Smits réalise une œuvre abondante qui aborde : aquarelles, huiles, dessins et gravures.

Plus tard, pour mieux exprimer son élan de mysticisme et l’humble réalité des villages campinois, il adopte des tons purs, posés en une matière épaisse, rugueuse aux aspérités irrégulières comme une écorce qui capte la clarté. (Intérieur au berceau, Maternité, Moulin en Campine, La récolte des pommes de terre, Le ciel pleure sur les ruines …) Ces œuvres nous livrent en effet un regard unique et pénétrant tant sur le pays que sur ses habitants. C’est précisément cette chaude humanité teintée de délicatesse et cette émouvante réalité qui séduisent d’emblée le spectateur.

Il faut louer la qualité du regard et de l’attention que de telles œuvres impliquent : celle d’être l’expression vraie d’une nécessité intérieure fondamentale.

GUILLAUME VOGELS

(1836 - 1896)

Figure majeure de l'école belge de peinture du XIXe siècle, Guillaume Vogels n'a pas encore été reconnu à sa juste valeur.

Dans la plénitude de son talent, Guillaume Vogels se révèle le chantre du climat nordique, des ciels plombés, de la lumière mouvante. Dans ses paysages, ses vues de ville, ses marines, la richesse de sa palette de gris colorés, la vigueur de la touche, la spontanéité ferme des empâtements dégagent une émotion première qui déplace les frontières du sujet et en accentue l'expressivité. Son oeuvre tranche sur le naturalisme descriptif de l'époque par une étonnante nouveauté.

Après une brève formation, de peintre-décorateur à l'Académie des beaux-arts de Bruxelles (1850-1853) et dans l'atelier de peinture des frères Bellis, il est attiré par la peinture de plein air. Il peint sur le motif à Ostende et à Bruxelles. En 1879, il se lie d'amitié avec James Ensor et Jan Toorop avec lesquels il se rend à plusieurs reprises aux Pays-Bas, visitant le musée Frans Hals. Dès 1884, il participe aux expositions du groupe des XX en compagnie de Cézanne, Monet, Renoir, Gauguin et Van Gogh.

La rétrospective rassemble quelques deux-cents oeuvres marquantes de Vogels: peintures à l'huile mais aussi gravures, aquarelles, dessins, dont certains exposés pour la première fois. Ces oeuvres retracent la trajectoire picturale de l'artiste bruxellois dans la chronologie de son évolution, permettant ainsi d'apprécier la nouveauté du propos. Le catalogue publié par les éditions Pandora est une monographie abondamment illustrée, suivie du catalogue raisonné de l'artiste.